[left]Umělec, zejména ten talentovaný, zavede diváky do svého světa – jak moc bude reálný nebo fantastický, záleží na osobnosti tvůrce a jeho pohledu na svět. Jsou mezi nimi skuteční mistři apokalypsy a stoupenci existencialismu, kteří vidí rub světa lépe než okolní realita. Dnes v příspěvku 1Gai.ru představujeme 20 skutečně děsivých obrazů, které si ne každý troufne podrobně prozkoumat.
Mnohé z nich jsou zcela realistické, ale zároveň vyvolávají dojem nočního snu, z něhož se nelze probudit. Zdroj všech takových děl – naše strachy, a ty jsou podle moderních psychologů generovány jediným a hlavním – strachem ze smrti. Člověk jako tvor obdařený druhou signální soustavou (neboli nesmrtelnou duší) se s tímto jevem nikdy nedokázal smířit. Poznáváme a studujeme sami sebe prostřednictvím umění, takže nás ponurá díla budou vždy znepokojovat, stejně jako nás znepokojují depresivní filmy a horory. ??
„Těžký koš“. Tsukioka Yoshitoshi, 1885.
Japonci jsou ne nadarmo považováni za nejlepší tvůrce hororů, strašidelných bytostí, duchů a neobvyklých fantaskních zjevů z lidové slovesnosti. Dobrým příkladem je obraz velkého mistra ukiyo-e (svět smutku a žalu) z cyklu „Třicet šest duchů“.
Ztělesňuje mýtický příběh o bezcitné a chamtivé stařence, která si jako dárek vybrala větší a těžší koš, ale místo šperků dostala ztělesnění hrůzy: strašidelné bytosti z podsvětí. Nepřipomíná nám to ruskou pohádku „Morozko“, kde záporným postavám „v krabici chrastily jen kosti“…..
„Triumf smrti“. Pieter Bruegel, 1561-1563
Jeden z nejslavnějších obrazů Bruegela, mistra Apokalypsy, který lze díky desítkám miniaturních příběhů, jež se před divákem odvíjejí, sledovat celé hodiny. Historický pramen: tažení španělského krále Filipa II, náboženského fanatika, který zasypal Nizozemsko horami mrtvol a popelem z ohňů.
Obsah plátna je však mnohem širší: mnoho tváří smrti zastihuje hrdiny každou hodinu a všude – v hromadné bitvě i individuálním boji, při práci, při jídle a dokonce i na milostném rande. Není možné se před ní skrýt: „Osudové vášně jsou všude a proti osudu není obrany“.
Dílo je ponurým a detailním obrazem konce světa, v němž smrt v podobě kostlivců ničí vše živé: lidi všech vrstev, města, přírodu.
Obraz odráží dobové obavy – války, epidemie, hladomor a náboženské konflikty, které v Evropě šestnáctého století převládaly. Bruegel ukazuje, že smrt nešetří nikoho: ani krále, ani sedláky, ani milence, ani mnichy. Je to silná připomínka křehkosti života a nevyhnutelnosti konce.
„Chobotnice.“ Victor Hugo, 1866.
Victora Huga známe především jako autora poezie a prózy. Tento talent však vytvořil stovky makabrózních obrazů (všechny psané prostým inkoustem). Mnohé z nich se podle svědectví pamětníků zrodily ve změněném stavu vědomí, při sezeních s hrou Ouija.
Děj „Chobotnice“ (malba je psána inkoustem) je popsán v románu „Dělníci moře“. V ději knihy se s ní setkává rybář Giliat. Mimochodem, boj s chobotnicí zabijákem později převzalo mnoho současných spisovatelů. Chobotnice v jeho podání symbolizuje chaos, nebezpečí a neznámou sílu, která číhá v hlubinách. V románu tento antagonista ztělesňuje boj mezi člověkem a přírodou.
„Bouřliváci postupují pod plynovým útokem“. Otto Dix (válečná série), 1924
Obraz nejslavnějšího malíře hororu z období první světové války, kdy se lidstvo poprvé setkalo s technikou a technologií masového vraždění.
Akvatinta německého malíře Otto Dixe, která zobrazuje německé vojáky v boji během první světové války. Jedná se o dvanáctou grafiku ze série 50 grafik s názvem „Válka“, která byla vydána v roce 1924. Kopie se nacházejí mimo jiné v Německém historickém muzeu v Berlíně, Muzeu moderního umění v New Yorku a v Minneapolis Institute of Arts a dalších veřejných sbírkách.
Dix ve svých pamětech napsal, že do války šel jako dvacetiletý student, který chtěl získat jakousi existenciální zkušenost:
„Musel jsem zažít, jaké to je, když někdo vedle mě náhle padne, zasažen kulkou. Musel jsem to zažít osobně. Chtěl jsem to zažít. Vůbec nejsem pacifista – nebo jsem? Možná jsem byl zvědavý. Musel jsem se o tom přesvědčit na vlastní oči. Víte, já jsem takový realista, že jsem musel všechno vidět na vlastní oči a přesvědčit se. Musel jsem se do všech těch strašlivých, bezedných hlubin ponořit osobně.“
„Měkká konstrukce s vařenými fazolemi (Předtucha občanské války).“ Salvador Dalí, 1936
Znepokojivý a podivný, stejně jako všechna Dalího díla, je i tento obraz. Bizarní konstrukce rukou a nohou připomíná obrysy Španělska, kde se obvyklý útulný svět chystá zhroutit, rozsypat jako fazole na zem a utopit v krvi občanské války.
Dílo vzniklo krátce před vypuknutím španělské občanské války.
Surrealistický a děsivý obraz deformovaného lidského těla, které se trhá na kusy, symbolizuje ničivost vnitřního konfliktu. Postava jako by byla složena z masa a šlach a vařené fazole jsou narážkou na domácí bídu a utrpení lidí.
Obraz vyjadřuje hrůzu, absurditu a krutost bratrovražedné války, kterou Dalí předvídal ještě před jejím začátkem.
„Duch utonulého“. Torvald Nyss, 1932
Děsivá scéna je blízká folklóru všech zemí a národů: nemrtvý duch se snaží stáhnout do moře novou oběť. Obraz je lakonický: pár temných siluet, pár tahů štětcem a divákovo srdce se naplní podvědomou touhou, pocitem viny a beznadějí.
Dílo patří do směru symbolismu a romantického realismu. Ponurá, mlhavá atmosféra a chladná paleta vytvářejí pocit smutku, osamělosti a věčného spánku. Je to úvaha o smrti, loučení a přechodu do jiného světa. Dílo vyvolává silnou emocionální odezvu a je považováno za jeden z nejpoetičtějších a nejsmutnějších obrazů skandinávské malby.
„Úzkost.“ Edvard Munch, 1894
Obraz Úzkost, který Edvard Munch namaloval v roce 1894, odráží hluboký pocit existenciálního strachu a odcizení, který charakterizoval jeho tvorbu.
V popředí lze vidět skupinu lidí s bledými, utrápenými tvářemi, strnulými v němém zoufalství. Stojí na mostě – stejném, jaký je použit ve známějším „Výkřiku“. Zde je veškerá pozornost upřena na pozadí – zlověstnou rudou oblohu a temné vody. Ty umocňují atmosféru napětí a beznaděje.
Obraz není jen obrazem úzkosti, ale vizuálním ztělesněním psychického stavu blízkého depresi a vnitřní krizi.
„Výkřik“. Edvard Munch, 1893-1910
„Výkřik“ je považován za emblém expresionismu, toto plátno otevírá 20. století, předpovídá jeho události a všeobecný pocit krutosti a nesmiřitelných vášní. Výkřik hrůzy postavy díky zvláštní primitivní technice a znepokojivé barevnosti jako by zněl všude a odevšad a získával univerzální dosah.
Jak si autor sám zapsal do svého deníku:
„Šel jsem po cestě se dvěma přáteli – slunce zapadalo – najednou se obloha zbarvila krvavě rudě, zastavil jsem se, cítil jsem se vyčerpaný a opřel se o plot – díval jsem se na krev a plameny nad modročerným fjordem a městem – přátelé šli dál a já stál rozechvělý vzrušením a cítil nekonečný křik pronikající přírodou.“
Současníci se domnívali, že zdrojem obrazu byla klinika pro duševně choré, kde se léčila umělcova sestra, jatka poblíž města a výbuch sopky Krakatoa, který na několik let ozářil rudým soumrakem mnoho měst po celém světě. A psychologové a životopisci hledali zdroj světonázoru v povaze a přirozených sklonech autora. Tak či onak, postava Munchova obrazu se stala základem pro vytvoření děsivé masky zabijáka ze stejnojmenného seriálu z devadesátých let – „Vřískot“.
„Výkřik“ je nejslavnější obraz Edvarda Muncha, namalovaný v roce 1893. Zobrazuje postavu se zkřiveným obličejem stojící na mostě, která jako by vydávala (nebo slyšela) pronikavý výkřik, na pozadí krvavě rudé oblohy.
Symbolizuje existenciální hrůzu, vnitřní úzkost a strach ze světa. Sám Munch tento stav popsal jako okamžik, kdy „slyšel výkřik procházející přírodou“.
Jedná se o jedno z nejrozpoznatelnějších děl expresionismu a silný obraz psychické krize člověka moderní doby.
„Duch Oiwa“ (Oiwa-san). Katsushika Hokusai, 1831.
Tato malba (dřevoryt) ze série „100 příběhů o duchách“ zobrazuje nejslavnějšího japonského ducha onryo. Je to uražený a pomstychtivý duch, který chce potrestat svého trýznitele, a vychází ze skutečného příběhu: samuraj nenáviděl a zabil svou ženu a vinil ji ze všech svých neštěstí.
Skutečné události z dávných dob jsou zvěčněny díky divadelní hře kabuki „Strašlivý příběh ducha z vesnice Yotsuya ze silnice Tokaido“ (autor Tsuruya Namboku). V příběhu byla Oiwa otrávena soupeřem, což znetvořilo její tvář. Po její smrti se vrací jako pomstychtivý duch, aby pronásledoval jejího manžela Iemona, který se na její smrti podílel. Na Hokusaiově rytině se tvář Oiwy vynořuje ze staré papírové lucerny, což zdůrazňuje její nadpřirozenou povahu a její spojení s duchy, kteří obývají lucerny.
Obraz ženy v bílém hábitu, s mrtvolným make-upem a rozpuštěnými vlasy se stal oblíbeným filmem: nejznámější onryo je dosud dívka-vražedkyně z videokazety („Volání“).
„Saturn“ („Saturn požírá svého syna“). Francisco Goya, 1819-1823.
Pro zvlášť vnímavé zde dílo nezveřejňujeme. Hrdinou Goyova obrazu je bůh řecké mytologie Kronos, znepokojený předpovědí o svém potomkovi, který ho sesadí z trůnu. Klasický děj se změnil pod vlivem osobních okolností španělského umělce: těžká nemoc, smrt dětí, hluchota, strach z šílenství.
Saturn na obraze je šílená nerealistická příšera trýznící zkrvavené tělo. Známý Goyův citát: „Představivost, opuštěná rozumem, vytváří nemyslitelné příšery; ve spojení s rozumem je však matkou umění a zdrojem zázraků, které vytváří.“.
„Pes.“ Francisco Goya, 1823
Goyův „Pes“ je plný existenciálního významu. Inspiroval mnoho umělců a je považován za předzvěst abstraktního umění 20. století. Nešťastné zvíře se chystá být pohlceno živly bez tváře a pustými prostory; jeho pronikavý, téměř lidský pohled je obrácen vzhůru a vyvolává pocity osamělosti, zoufalství a beznaděje.
Umělec a spisovatel Antonio Saura označil Goyovo dílo za „nejkrásnější malbu na světě“ a své dojmy popsal takto: „Goya je nejkrásnější malíř na světě:
„Připomíná mi mého vlastního psa, který hlídal mého otce, a pak byl otráven a otec brzy zemřel. Dívám se na tento obraz a vidím v tomto ubohém zvířeti náš stav obecně a náš historický okamžik zvlášť. Já jsem ten pes a ty jsi ten pes, naše hlavy jsou vztyčené nad temným, stoupajícím přílivem.“
„Poslední soud“. Hieronymus Bosch, 1504
Biblický příběh posloužil jako zdroj inspirace mnoha autorům, ale právě toto dílo středověkého malíře má největší sílu vlivu, a to i na naše současníky. Umělec jasně viděl ty nejošklivější stránky lidské povahy a jasně popsal, jaké činy vedou člověka do pekla – a je to tak strašné a detailní, že se tomu člověk chce ze všech sil vyhnout.
Však i levý panel triptychu (Ráj) zobrazuje pád do hříchu, vyhnanství, proměnu andělů v démony, pekelný oheň, „muka, nářek a skřípění zubů“. Autor je zjevně rozčarován lidskou přirozeností a pesimistický ohledně našeho budoucího osudu.
„Apoteóza války“. Vasilij Vereščagin, 1871
Jak říká autorův nápis na rámu obrazu, je „Věnováno všem velkým dobyvatelům – minulým, současným i budoucím“. Pyramida lidských lebek na pozadí zničeného města a ohořelých stromů uprostřed žhnoucí stepi je symbolem smrti, devastace a duši ničících následků válek. Osud lidstva pod touto pronikavě jasnou a chladnou oblohou není optimistický.
Nejde o konkrétní výjev, ale o symbolické zobecnění – varování před tím, k čemu válka vede: ke smrti, devastaci, nelidskosti. Obraz silně zapůsobil a vyvolal kontroverzi, Vereščagin však pevně stál na svém pacifistickém stanovisku.
„Poražený. Vzpomínková bohoslužba.“ Vasilij Vereščagin, 1879
Hluboké a tragické protiválečné plátno namaloval Vasilij Vereščagin v roce 1879. Umělec byl obviňován z antipatriotismu, ale před vytvořením díla se, jak známo, snažil najít tělo svého bratra na bojišti, aby se s ním rozloučil a důstojně pohřbil svého rodáka. Právě to ho inspirovalo k vytvoření obrazu. Zobrazuje zádušní mši za padlé ruské vojáky: kněz slouží mši u hromadného hrobu, zatímco přeživší vojáci stojí v tiché formaci. Vše kolem – sníh, ponurá obloha, prázdnota – zdůrazňuje nesmyslnost ztrát a utrpení způsobených válkou.
„Nebylo možné tělo vytáhnout – a tak zůstalo k mému největšímu zármutku doutnat a hnít v té mase – strašlivé mase mrtvol našich vojáků položených toho dne,“ vzpomíná umělec. Další dílo zobrazující cenu vítězství a dobytí.
„Smrt.“ Janis Mihailovič Rosenthal (Rosenthals), 1897.
Obraz „Smrt“ (N?ve), který namaloval lotyšský malíř Janis Rozentals v roce 1897, je hlubokým a symbolickým dílem, které kombinuje realismus, secesní prvky a motivy lotyšské mytologie.
Plátno zobrazuje venkovanku sedící na pařezu s mrtvým dítětem v náručí. Nad nimi se sklání vysoká postava ženy v bílém – zosobnění Smrti, která drží v ruce srp. Smrt je zobrazena jako vyhublá, téměř kostlivá bytost s bosýma nohama, což zdůrazňuje její spojení s přírodou. V lotyšské mytologii je Smrt často zobrazována jako žena v bílém, známá jako Ve?u m?te – „Matka mrtvých“.
Scéna se odehrává na pozadí lesa a louky, což symbolizuje přirozený koloběh života a smrti. Matka vyjadřuje hněv a zoufalství, prsty má křečovitě sevřené, ale již si uvědomuje nevyhnutelnost ztráty. Bílý oděv dítěte, stejně jako Smrt, zdůrazňuje jeho přechod do jiného světa.
Obraz je plný emocionálního napětí a nutí nás přemýšlet o nevyhnutelnosti smrti a bezmoci člověka tváří v tvář ní. Toto dílo je považováno za jedno z nejexpresivnějších v Rozentalsově tvorbě a zaujímá významné místo v lotyšském umění. Mnozí odborníci i amatéři jej považují za nejděsivější umělecké dílo všech dob.
Dvě plátna bez názvu. Zdzislaw Beksiński (1929-2005)
Tyto dva temné a děsivé obrazy patří polskému umělci Zdzisławu Beksińskému (Zdzis?aw Beksi?ski, 1929-2005), mistru temného surrealismu a postapokalyptické symboliky.
Polský výtvarník a fotograf nedával svým obrazům názvy. „Jedním slovem, malba mě příliš nezajímá, nevyhledávám setkání s ní, setkávám se s ní náhodně a přirozeně, jako se stromem a krávou,“ řekl umělec.
Jeho srdcervoucí apokalyptické obrazy se však staly inspirací pro tvorbu mnoha současníků. Předpokládá se, že počátky jeho malířské tvorby tkví v dusivé atmosféře poválečných let a „studené války“, v pocitech bolesti a viny.
Jeho obrazy přízračných světů a jejich obyvatel, pro něž je toto podsvětí domovem, jsou předtuchou osobní noční můry: poslední léta umělcova života jsou poznamenána smrtí manželky, sebevraždou syna a o něco později sám vykrvácí na prahu svého domu, zabit synem své hospodyně.
?? První obraz (vlevo)
Zobrazuje znetvořenou postavu (bytost) s ovázanou hlavou, která se plazí po spálené pustině. Pozadí připomíná apokalyptické město po katastrofě. Obraz navozuje pocit bolesti, zoufalství, degradace a odcizení.
?? Druhý obraz (vpravo)
Zobrazuje muže s pochodní, který prochází stísněným kaňonem, v jehož stěnách zejí obří postavy v kápích s lebkami místo obličejů. Může symbolizovat samotu tváří v tvář smrti nebo osudu, napravení hříchů, soud nebo setkání s minulostí, která shora mlčky a přísně přihlíží.
„Oko se jako podivný balón řítí do nekonečna.“ Odilon Redon, 1882
Litografie Odilona Redona z roku 1882. Toto mystické a symbolické dílo bylo inspirováno textem Edgara Allana Poea.
Na obraze je obrovské oko v podobě balonu, k němuž jsou připoutány postavy (pravděpodobně člověk a smrt), které se vznášejí na temné surrealistické obloze. Je to alegorie duchovního vzestupu, hledání poznání či věčnosti, ale také neznáma a hrůzy tohoto letu.
Redon kombinuje fantazii, sen a symboliku a vytváří obraz, který lze interpretovat jako pohled na duši putující za hranice pozemského.
„Autoportrét“. Ken Curry, 1995
Silný, ponurý a znepokojivý obraz, v němž se autor zabývá tématy stárnutí, umírání a křehkosti těla.
„Hrdiny“ obrazů skotského umělce jsou lidé v nejsmutnějším a nejnevzhlednějším období života: stárnoucí, znetvoření, nebo dokonce prezentovaní jako rozkládající se ostatky. Podle kritiků jde o reakci tvůrce s jemným mentálním uspořádáním na politická a humanitární kataklyzmata devadesátých let ve východní Evropě a také na lidskou přirozenost, která je zpravidla chybná a smrtelná.
Plátno zobrazuje samotného umělce, ale ne obvyklým realistickým způsobem: jeho tvář a tělo působí zkresleně, morbidně, jako by byly pokryty voskovým nebo mrtvým masem. Pohled směřuje k divákovi, ale je v něm patrná únava, strach a filozofické smíření s nevyhnutelným koncem.
Na tomto autoportrétu umělec přidal do olejových barev včelí vosk, čímž získal přirozený vzhled lidské kůže. Právě to v divákovi vyvolává prvotní hrůzu podobnou působivosti filmů s doktorem Lecterem: jen ne ve vězeňské cele, ale při uskutečňování hrozby „sním tvá játra a zapiji je chianti“…..
[h2]“Šílený
Alegorický a satirický obraz Pietera Bruegela staršího, na němž je zobrazena surová, rozrušená žena, která vede oddíl podobných žen k útoku na samotné peklo.
Toto dílo je vítězem nejrůznějších žebříčků nejděsivějších uměleckých děl. Článek o tomto obrazu na webových stránkách Muzea Meyera van der Berga, kde je obraz uložen, se jmenuje „Horor v malované podobě“ (Horror Film in Painted Form).
Greta v brnění a s mečem plení pekelné země, neznajíc strach. Všude kolem – chaos, démoni, oheň, zkáza, charakteristická pro Bruegelův styl. Obraz zesměšňuje chamtivost, šílenství a agresivitu, zejména v chování žen, které jsou obětí chamtivosti a marnivosti.
Jde o ukázkový příklad středověkého moralismu, grotesky a vlámské fantastické imaginace, v níž se ozývá Bosch.
Zobrazuje postavu z holandského folkloru, ztělesnění chamtivosti a bojovnosti, putující do podsvětí skrze zemi plnou nestvůr představujících neřesti: dobrá ilustrace špatně prožitého života. Nejhorší lidské vlastnosti a dobová realita – války a popravy – jsou skutečným peklem na zemi. To je poselství, které Bruegel předává divákovi v mnoha detailech svého obrazu.
Zdroj článku: Některé z nejpodivnějších a nejděsivějších obrazů, které kdy byly namalovány.
MZV ČR
